ORFEO Y EURÍDICE

Pocos compositores de ópera son hoy tan poco conocidos con Christoph Willibald Gluck. Nacido en Erasbach, un lugar que actualmente está en Alemania, en 1714, Gluck fue básicamente un renovador de la operística de su tiempo.

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Contemporáneo de Haendel, Bach y Telemann entre otros menos significativos, en sus óperas introdujo modificaciones en la forma y en el fondo que ejercieron una influencia notable en compositores posteriores, como Mozart, Cherubini, Salieri y más adelante en autores italianos como Rossini o Bellini.
Los libretos de la mayoría de sus óperas estaban basados en la mitología clásica: Ifigenia, Alcestes, Orfeo, eran personajes habituales en la operística de su época. La renovación que propició Gluck en la forma se basó en prescindir de casi toda la ornamentación superflua en la línea vocal de los personajes. Melodías linéales y prolongadas sustituyeron a los gorjeos inacabables, tan del gusto de la época y dieron al conjunto un aspecto más noble y profundo además con intervención de coros. Las escenas de danza muy expresivas que introdujo en sus obras también chocaban de frente con la tradición imperante principalmente en la ópera francesa.
Musicalmente también ejerció un papel renovador. En las obras de Gluck, la orquesta se modernizó notablemente con la incorporación de clarinetes y con el incremento del papel de la cuerda y del metal en la orquestación. La orquesta de Gluck es más robusta que la de Haendel aunque también más austera.
A pesar de su influencia en el futuro de la operística, Gluck siempre ha sido un músico poco conocido, por no decir olvidado. De todas sus obras operísticas solo una es interpretada en los circuitos operísticos: “Orfeo y Eurídice”, todas las demás y fueron muchas no han merecido apenas representación ni grabación y permanecen en el olvido.

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Mosaico de Orfeo de Cagliari

 

El mito de Orfeo es uno de los más vivos de la mitología clásica, desde Monteverdi en el siglo XVI hasta Cocteau en el siglo XX, ha sido utilizado como inspiración por diferentes artistas, uno de ellos Gluck.
Orfeo era hijo de Apolo y Calíope y tenía un don para la música en todas sus facetas, cantaba y tocaba su lira de tal manera que conmovía a humanos, animales, árboles e incluso a los ríos y a las piedras. Conoció a la ninfa Eurídice y se enamoraron pero el destino quiso que el día de la boda, Eurídice muriera como consecuencia de la mordedura de una serpiente en el talón. Orfeo inconsolable descendió al mundo de los muertos para pedir a Hades y a Perséfone que le devolvieran a su amada. El dios de los muertos, Hades, quedó tan desconcertado y conmovido por la música y las canciones de Orfeo que accedió a que se la llevara al mundo de los vivos con la condición de que, durante el regreso, no volviera nunca la vista atrás. Justo antes de salir, Orfeo se dejó llevar por la impaciencia y miró hacia atrás, lo que provocó que su amada se desvaneciese en la niebla del reino de los muertos, despidiéndose de él sin que Orfeo pudiese oírla.

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Orfeo y Eurídice saliendo del inframundo con el permiso de Hades y Perséfone (Rubens)

María Callas, la diva por excelencia. Nacida en Nueva York en 1923 de ascendencia griega. Para muchos la mejor y más completa interprete de ópera de todos los tiempos, no solo por la voz sino también por su capacidad interpretativa. Su registro era amplísimo llegando a abarcar tres octavas. Su timbre era de soprano pero un tanto especial. Podía cantar como una soprano ligera con notas sobreagudas pero también como una mezzo o incluso contralto. El período durante el cual desarrolló su arte no fue demasiado prolongado en el tiempo, desde su debut en 1942 en Atenas con la opereta “Boccaccio” hasta el inicio de su declive a finales de los cincuenta habían transcurrido diecisiete años, no obstante su actividad fue destacada llegando a protagonizar 47 personajes. Fue sin dudar la cantante lírica más popular de todos los tiempos por sus actuaciones pero también por su vida personal muy publicitada y tempestuosa.

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En este video podemos disfrutar la fusión de Glück como autor, María Callas como intérprete y el mito de Orfeo en la interpretación de una de las arias románticas más hermosas de la operística más primigenia: “Che farò senza Euridice” cuando Orfeo pierde por segunda vez a su amada al cometer el pecado de girarse para mirarla.

LA SEGUNDA VEZ

En el campo de lavanda

Ayer volví a ver la película “El último Concierto”. Me impresionó más que la primera vez, quizás porque al saber lo que esperaba puede descubrir los detalles y ví lo que no se ve:

El concierto Opus 131 de Beethoven. Aquí lo incluyo integro, treinta y ocho minutos concebidos para ser interpretados sin pausas, lo que no permite afinar los instrumentos durante la ejecución de la pieza sino irlos adaptando a las variaciones de los demás músicos. En eso radica parte de su grandeza, es la misma manera con la que se interpreta nuestra vida.

Y un poema: Old Men de Ogden Nash. Una niña,  con su voz infantil, con su capacidad de leer recién estrenada, recita una poesía escrita en un vagón del metro de Nueva York. Nadie le presta atención, ni tan siquiera se dan cuenta de lo que está diciendo:

VIEJOS

La gente espera que los viejos se…

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CINE Y LITERATURA : “EL NOMBRE DE LA ROSA”

En 1980, un catedrático de semiótica de la Universidad de Bolonia, en Italia, publicó su primera novela que se convirtió en lo que se conoce como un “best-seller” de alcance mundial. La novela se llamaba “El nombre de la rosa” y su autor era Umberto Eco.

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Umberto Eco, nacido en la Alessandria italiana en enero de 1932 no era ni ha sido nunca un escritor de éxito entre el gran público, con la excepción de “El nombre de la rosa” y alguna novela posterior que no alcanzó ni de lejos esa categoria. Era un intelectual muy reconocido en el mundo de los signos. Sus ensayos, entre los que destacan “La estructura ausente”, La forma y el contenido” o “Los límites de la interpretación” entre otros, siendo muy valorados en el mundo académico no trascendían sus límites, por eso la inmensa popularidad de “El nombre de la rosa” constituye un fenómeno inusual en el mundo de la edición narrativa. Publicada en más de treinta paises y con un número de ventas estratosférico que supera de largo los quince millones de ejemplares sigue siendo un best-seller inusual.

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En el libro, Eco hace gala de un dominio histórico y sobre todo lingüistico que compagina con una estructura policíaca muy adictiva que llegó al público como un huracán.
La estratificación que propone Eco en la obra, sobre elementos literarios (personajes de Conan Doyle con códigos claramente de novela negra); elementos históricos (la vida cotidiana en una abadía benedictina del siglo XIV); elementos religiosos (conflictos entre diverses órdenes monacales); elementos filosóficos ( dogma vs. herejía); elementos lingüisticos (los matices de las lenguas comunes frente al latín de la Iglesia) y por último los elementos bibliófilos (biblioteca repleta de incunables con un destino fatal). Toda esta amalgama propiciaba que un amplio espectro de lectores pudieran sentirse atraidos por la novel·la, como así fue.

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Como era de esperar, y dado el éxito editorial, el mundo del cine se sintió calificado para llevar la historia de Eco a la gran pantalla y pocos años después, en 1986, se pudo ver “El nombre de la rosa” en el cine en una producción de gran presupuesto.
La adaptación de una obra tan singular no era fàcil y el resultado fue irregular. El director, el francés Jean Jacques Annaud, para llegar al público cinematográfico, diferente del literario, tuvo que potenciar los elementos más triviales en perjuicio de los sutiles planteamientos filosóficos y lingüisticos de la obra original. El director otorgó un protagonismo excesivo a los decorados interiores y exteriores , magníficos en realidad si bien resultan gratuitos y vacíos sin aportar profundidad a la historia.

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Sacra de San Michele

Por otra parte, el director y sus guionistas (entre los que no estaba acreditado Umberto Eco) pervierten el sentido de la novela en la parte final del film. Lo que para Eco era la pérdida de la inocencia del personaje juvenil (Adso de Melk) para Annaud es el desencadenante de una serie de situaciones conflictivas de carácter cinematográfico, como el hipertrofiado juicio de herejes, contrapunto del verdadero final de la obra con el incendio de la biblioteca, incendio que simboliza el precio que paga el personaje adulto (Guillermo de Baskerville) por llevar a cabo su investigación policíaca.
Si contemplamos el film en si mismo, sin intentar la comparación con la obra de Eco, estamos ante una superproducción cinematogràfica bien resuelta, bien interpretada, bien ambientada pero insensible y tramposa.

LEONARD COHEN

Leonard Norman Cohen es un poeta y músico canadiense nacido en 1931. Sus poemas exploran temas conceptuales relativos a la religión, la política o la sexualidad. Al principio sus poemas estaban influidos por Yeats, García Lorca o Whitman pero muy pronto desarrolló un estilo propio apoyado en el Zen, el Talmud y más adelante en el Budismo practicante, fue ordenado monje a finales de la década de los noventa con el nombre de “Jikan” (silencio).

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Leonard Cohen joven

 

A partir de los años 70 su obra se decantó por la parte musical, sin abandonar completamente la poesía, de hecho en sus composiciones tiene más peso la letra que la música, al igual que su estilo de interpretarlas, es más recitativo que musical. Sus letras son emotivas y complejas utilizando juegos de palabras y metáforas lo cual era un estilo nada habitual en la época en que reinaba el folk y la canción de protesta, con temas mucho más claros y directos. Su voz grave, el pesimismo que irradian sus letras, su manera de interpretar en el escenario, el acompañamiento musical y los coros utilizados sabiamente, todo es un conjunto que hace de Cohen uno de los compositores y cantantes más fascinante de la música popular del siglo XX.
Algunas de sus canciones como “Suzanne”, “Sister of Mercy” o “I’m your man” fueron versionadas por cantautores importantes como James Taylor, Judy Collins o Joni Mitchell.

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Con 81 años, Leonard Cohen sigue en activo, componiendo, grabando e incluso interpretando en vivo por todo el mundo.

 

 

 

Una de sus mejores canciones es “Anthem”
Anthem, en castellano Himno, es una composición musical o lírica de celebración o loa.
Es también un símbolo para un grupo determinado: país, nación o incluso un club deportivo
En el contexto musical se trata de una obra coral corta y con una letra significativa.

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Fragmento de “Anthem”

 

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la grieta por donde entra la luz

“Anthem”
Letra en inglés.

The birds they sang
at the break of day
Start again
I heard them say
Don’t dwell on what
has passed away
or what is yet to be.
Ah the wars they will
be fought again
The holy dove
She will be caught again
bought and sold
and bought again
the dove is never free.

Ring the bells that still can ring
Forget your perfect offering
There is a crack in everything
That’s how the light gets in.

We asked for signs
the signs were sent:
the birth betrayed
the marriage spent
Yeah the widowhood
of every government —
signs for all to see.

I can’t run no more
with that lawless crowd
while the killers in high places
say their prayers out loud.
But they’ve summoned, they’ve summoned up
a thundercloud
and they’re going to hear from me.

Ring the bells that still can ring …

You can add up the parts
but you won’t have the sum
You can strike up the march,
there is no drum
Every heart, every heart
to love will come
but like a refugee.

Ring the bells that still can ring
Forget your perfect offering
There is a crack, a crack in everything
That’s how the light gets in.

Ring the bells that still can ring
Forget your perfect offering
There is a crack, a crack in everything
That’s how the light gets in.
That’s how the light gets in.
That’s how the light gets in.
Letra en castellano:

Los pájaros cantaban
al romper el día
Empezar de nuevo
les oí decir:
No insistas en lo que
Ha pasado
O lo que aún está por ser.
¡Ah, las guerras en las que
luchar de nuevo
La paloma santa
Será capturada de nuevo
Comprada y vendida
Y comprada otra vez
La paloma nunca es libre.

Toca las campanas que aún pueden sonar
Olvida tu oferta perfecta
Hay una grieta en todo
Así es como entra la luz

Pedimos signos
Los signos fueron enviados:
El nacimiento traicionado
El matrimonio pasó
Sí, la viudez
De todos los gobiernos –
Señales para que todos vean.

No puedo correr más
Con esa gente sin ley
Mientras que los asesinos en lugares altos
Dicen sus oraciones en voz alta.
Pero han convocado, han convocado
Una nube de tormenta
Y ellos van a saber de mí.

Tocar las campanas que aún puede llamar …

Se pueden sumar las partes
Sin embargo, tú no tendrás la suma
Puede iniciar la marcha,
No hay tambor
cada corazón, cada corazón
Para el amor vendrá
pero como un refugiado.

Toca las campanas que aún pueden sonar
Olvida tu oferta perfecta
Hay una grieta en todo
Así es como entra la luz

Toca las campanas que aún pueden sonar
Olvida tu oferta perfecta
Hay una grieta en todo
Así es como entra la luz
Así es como entra la luz
Así es como entra la luz

 

 

Karaoke y bidé

Y celebrando el fin de año chino me dicen, coño, que soy buey, el segundo animal que llegó a Buda, pero habría sido el primero si la rata no se le hubiera adelantado después de una larga travesía en la cual la llevó en su lomo, víctima de su irresistible seducción. Eres la eterna segunda, rematan. Y ahí estoy yo, torito siempre y ahora buey, rumiando la información, mientras como gelatinas y cartílagos en sus diversas versiones y patas de pollo a la fría vinaigrette  y casquería toda en la mesa para exóticos (chino silencio a nuestra entrada al local) en el bello centro del Gran Palacio Chino de la Badalona marítima y poligonera, donde los niños corretean a su libre albedrío y queman la bandeja de espaguetis a la boloñesa que se zamparon (boloñesa, sí, que yo lo vi), y que hostia puta, que me levantes, dice la chinita al chino, y el chino le dice ¿cómo?, a lo que la chinita le responde ¿cómo que cómo?¡comiendo lomo! ¡Ah! hermoso chino carabancheliano el que aquí se habla. ¿Cuándo la celebración? ¿Dónde se van todos?, preguntamos los exóticos al ver desaparecer a toda la comunidad. Los camareros dicen que ellos, en China, pum, pum, pero que aquí no, que aquí karaoke. Pum, pum, nos suena a echar un polvo y preguntamos si podemos ir al karaoke, a cantar y a beber. La camarera dice que no, que a cantar no, porque está lleno y solo chino y solo inglés ¿Y a beber? No, beber tampoco. ¿Y a beber? No, beber no. ¿Y a beber? No, no, beber no. Que insistamos no da resultado. ¿Y a beber? No importa, conseguimos enmarcarnos en un corazón (yo no, que ser buey tiene estas cosas) y que nos retraten dos adolescentes, xīn nián kuài lè, xīn nián kuài lè, (feliz año nuevo, feliz año nuevo repetimos recién enseñados) Y por fin, se cumple nuestro deseo con rebaja al 95% y la camarera nos acompaña al karaoke A VER, no a beber. Beber no, dice. Y atravesamos en festiva comitiva salas, salones y cocinas y nos enseñan habitaciones con mesas, sillas, televisión karaokiana y bidé y nos dicen serios: el año que viene, reservar habitación, 200€. Que esto del karaoke es cosa privada en el Gran Palacio Chino de Badalona. Nada como un bidé con karaoke o un karaoke con bidé para olvidarse de que, lejos, en China, pum, pum. Salta el radar en la Gran Vía, de regreso a casa. Hay que aparcar en la calle a estas horas de la madrugada. Y a la primera encuentro sitio.

Será que no había rata.

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Festiva comitiva

新年快乐!

Ana