ANECDOTARIO DE CARLOS GARDEL

Preparando el post del aniversario del accidente que costó la vida de Gardel, hace ochenta años, me di cuenta de que en la trayectoria vital y artistica de ese mito que fue Carlos Gardel, se encontraban algunas anécdotas interesantes, unas curiosas, otras no tanto, pero todas interesantes. He aquí algunas de ellas:

Inicio de una carrera en Palermo

Inicio de una carrera en Palermo

La gran pasión de Gardel eran los caballos. Siempre estuvo relacionado con el mundo que giraba alrededor del hipódromo de Buenos Aires, el famoso Palermo. Sus amigos eran yóqueis, cuidadores y propietarios de caballos de carreres. Él mismo llegó a tener hasta ocho caballos, siendo su preferido uno llamado “Lunático”. En su cancionero hay diverses canciones ambientades en este mundo, de las cuales las más conocidas fueron “Leguisamo solo” y “Por una cabeza”.

En 1915 recibió un balazo en un altercado poco claro. Al parecer tenia relación con gente del hampa porteña. Matones y delincuentes de diferentes grupos.
Esta bala causó controversia cuando, después del accidente de aviación en el que falleció se la encontraron en la autòpsia. A causa de la bala se especuló con la posibilidad de que el avión se hubiera estrellado por un tiroteo en su interior.

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Gardel con sobrepeso

Durante la segunda década del siglo, y como consecuencia de empezar a gozar de popularidad, con su música y también con el cine, Carlos Gardel, que no era demasiado alto, no llegaba al metro setenta, y estaba muy grueso, pesaba alrededor de ciento veinte kilos, empezó una campaña personal para mejorar su aspecto físico. Tanto es así que disminuyó su peso en más de cuarenta kilos. Así mismo desarrolló una imagen de simpatia con una sonrisa, siempre presente, en todas sus actuacions públicas.

En enero de 1935, Gardel participó como actor principal en una pel·lícula exitosa rodada en Estados Unidos. La película se llamó “El día que me quieras” y en ella actuaba también en un papel secundario un niño de 12 años llamado Ástor Piazzola. Al parecer Gardel había quedado impresionado por el desparpajo y la picardia del niño, que ya entonces tocava el bandoneón, de forma que exigió que le dieran ese pequeño papel. Más adelante pidió al padre de Piazzola que le permitiera llevarse al niño en la gira que preparaban aquel año. El padre se negó considerando que el niño era excesivamente joven. Con esta negativa, Astor Piazzola, considerado el máximo exponente de la renovación del tango, evitó estar en el avión siniestrado el día del accidente.

Con su famosa sonrisa y su sombrero ladeado

Con su famosa sonrisa y su sombrero ladeado

Después del accidente, los restos mortales de Gardel fueron repatriados pero no fue una tarea fàcil, su cuerpo tuvo que viajar a lomos de burros, en carretas, en barco y en avión. Pasando por diversos lugares del interior de Colombia, después Panamá y Estados Unidos donde fue velado, para finalmente llegar a Argentina y ser enterrado en el cementerio de la Chacarita un año después.

Carlos Gardel y su madre Marie Berthe Gardés

Carlos Gardel y su madre Marie Berthe Gardés

Gardel no se casó nunca y fue extremadamante discreto en sus relaciones personales, tanto es así que su discreción dio pie a numerosas especulaciones respecto a su sexualidad. Con quien se relacionó profundamente fue con su madre Marie Berthe Gardés, quien según la teoria de que Gardel era francès sería su madre biològica mientras que para los seguidores de la teoria de que era uruguayo, sería su madre adoptiva. Lo cierto es que siempre vivió con ella y eso también originó especulaciones diversas.

Incluimos también una secuencia de la película “El día que me quieras” rodada en Estados Unidos en 1935, poco antes del accidente. En esta ocasión interpreta un tango muy dramático: “Sus ojos se cerraron”.

CARLOS GARDEL, EL “MOROCHO DEL ABASTO”

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El día de san Juan de 1935, hoy hace ochenta años, hubo un accidente de aviación en el aeropuerto de Medellín, en Colombia. Un avión trimotor, que estaba cogiendo velocidad para despegar, se salió de la pista impactando contra otro avión de tamaño similar. Se incendiaron los dos y hubo 17 muertos. Uno de ellos era un cantante y compositor de tangos que, en aquel momento, se encontraba en la cima de su popularidad. Se llamaba Carlos Gardel y tenía 44 años, de acuerdo con la versión oficial de su vida. En efecto, hay controversia con respecto a cuándo y dónde nació. La versión más conocida propone la fecha de 1890 y el lugar Toulouse, en Francia. La versión más reciente y controvertida dice que Gardel es uruguayo de nacimiento y que tenía entre cuatro y siete años más que los 44 que se le atribuían en el momento del accidente.
Esta versión procede de una teoría muy complicada y melodramática aparecido en Uruguay, obviamente, por la que Gardel era adoptado y que tomó la personalidad de un hijo de su madre de adopción que se llamaba Carlos, como él.

Casa de Carlos Gardel en el barrio del

Casa de Carlos Gardel en el barrio del “Abasto” donde vivió desde 1927

Carlos Gardel fuera uruguayo o francés, fue el principal exponente del género musical llamado tango a lo largo de la historia. Cantante, compositor y actor de cine era uno de los más importantes intérpretes de la música popular a nivel mundial del siglo pasado, hasta su desaparición en 1935.

Portada de uno de los discos de Gardel, llego a realizar cerca de mil grabaciones

Portada de uno de los discos de Gardel, llego a realizar cerca de mil grabaciones

Desde los tres años vivió, con su madre, en Buenos Aires. Durante su infancia y adolescencia se fue curtiendo artísticamente por la zona del barrio popular llamado “El abasto” Uno de los apodos por los que fue conocido era “El Morocho del Abasto”. En las primeras décadas del siglo todavía no cantaba tangos, cantaba canciones camperas y rurales, una especie de folklore argentino mezclado con canzonettas napolitanas, milongas, cuplés e incluso con ópera. En aquella época no actuaba solo, lo hacía en duos, tercetos o cuartetos en ambientes populares muy conocidos en Buenos Aires, como el Café de los Angelitos o el Café del Pelado y más adelante también en Montevideo en el Teatro Royal.

En el cine consolidó su fama mundial

En el cine consolidó su fama mundial

No fue hasta 1917, ya en solitario, que Gardel grabó lo que se considera el inicio del género “tango-canción”, un tango llamado “Mi noche triste” con letra en lunfardo (lenguaje popular porteño). El éxito no fue inmediato, depurar su estilo y, al mismo tiempo, entregar al mundo un género musical de éxito, le costó siete años. Durante este tiempo formaba un dúo con el uruguayo José Razzano. En 1923 el dúo realizó su primera gira internacional por Europa y dos años más tarde, ya separado de Razzano, Gardel grabó en Barcelona por primera vez con micrófono en lugar de con bocina captora. Es de destacar el especial vínculo que siempre tuvo Gardel y el tango con Barcelona. La ciudad fue la punta de lanza del género en Europa con innumerables actuaciones y grabaciones antes de dar el gran salto a finales de la década con un éxito arrollador en París. Después de Europa le esperaba Estados Unidos y paradójicamente cuando estaba en la cumbre de su carrera, cuando el tango era celebrado en todo el mundo como un género nuevo y diferente, empezó su declive popular en la zona donde empezó. En Argentina y Uruguay se inició una corriente crítica sobre Gardel denunciando una deriva de las esencias originales como consecuencia de la idolatría sobre su persona existente en Sudamérica y en gran parte del mundo.
Todo se terminó bruscamente hoy hace 80 años en la pista de despegue del aeropuerto de Medellín. Sus restos mortales después de varias visicitudes fue repatriado y descansa en el cementerio bonaerense de La Chacarita.

Sepulcro de Gardel en

Sepulcro de Gardel en “La Chacarita”

El tango, que tanto contribuyó Carlos Gardel a universalizar, es una danza original de la región del Rio de la Plata y se creó como una amalgama de multitud de géneros musicales de diferentes etnias que confluyeron en aquel lugar. Italianos, españoles, africanos y los propios indígenas rioplatenses formaron el tango que se mantiene hasta nuestros días como un género musical muy potente.
El tango como danza, es un baile muy sensual con un contacto físico y emocional sumamente intenso de los cuerpos de los bailarines.
El tango como canción tiene la particularidad de que sus letras, en buena parte escritas en lunfardo, es poesía en sí mismas, explicando historias de la gente del pueblo, básicamente amorosas incorporando, muchas veces, una buena dosis de crítica social.

Incluimos aquí la letra de “Cuesta abajo” uno de los tangos más bellos compuesto por Gardel con letra de Alfredo Le Pera, letrista de muchos de sus tangos y que falleció en el mismo accidente. Esta letra es un poema en sí mismo. Y el video corresponde a la secuencia de la película del mismo título filmada en 1934, donde Gardel interpreta su canción.

CUESTA ABAJO

Si arrastré por este mundo
La vergüenza de haber sido
El dolor de ya no ser
Bajo el ala del sombrero.
Cuántas veces, embozada,
Una lágrima asomada yo no pude contener
Si crucé por los caminos
Como un paria que el destino
Se empeño en deshacer
Si fui flojo, si fui ciego,
Solo quiero que hoy comprenda
El valor que representa el coraje de querer.
Era, para mi la vida entera
Como un sol de primavera
Mi esperanza y pasión,
Sabía que en el mundo no cabía.
Toda la humilde alegra de mi pobre corazón
Ahora cuesta abajo en mi rodada
Las ilusiones pasadas
Ya no las puedo arrancar.
Sueño, con el pasado que añoro,
El tiempo viejo que hoy lloro
Y que nunca volverá
Por seguir tras de sus huellas
Yo bebí incansablemente.
En la copa de dolor
Pero nadie comprendía
Que si todo yo le daba
En cada vuelta dejaba
Pedazos de corazón.
Ahora triste en la pendiente,
Solitario y ya vencido,
Yo me quiero confesar,
Si aquella boca mentía,
El amor que me ofrecía,
Por aquellos ojos brujos
Yo habra dado siempre más
Era, para mi la vida entera
Como un sol de primavera
Mi esperanza y pasión,
Sabía que en el mundo no cabía
Toda la humilde alegria de mi pobre corazón

Ahora cuesta abajo en mi rodada
Las ilusiones pasadas
Ya no las puedo arrancar
Sueño, con el pasado que añoro,
El tiempo viejo que hoy lloro
Y que nunca volverá

ANNA AJMÁTOVA, LA POETISA RUSA QUE VIVIO LA REVOLUCIÓN

Entre silencios

Como tú sufro la negra separación permanente.
¿Por qué lloras? Mejor dame la mano y prométeme volver en un sueño.
Tú y yo somos un monte de dolor. En esta tierra tú y yo jamás nos
encontraremos.
Si pudieras tan sólo enviarme a medianoche
por medio de las estrellas tu recuerdo.

(de ‘Post-War Russian Poetry’, recopilada por Daniel Weissbort)

Versión inglesa del poema

Versión inglesa del poema
“Entre silencios”

El día 23 de junio de 1889, nace en Bolshoi Fontan, un lugar cercano a Odessa, una de las voces poéticas más reconocidas de Rusia: Anna Andréyevna Ajmátova.
Anna Ajmátova fue una de las impulsoras, junto con su marido Nikolái Gumiliov y Ósip Mandelstham de la corriente poética acmeista (*)

Era una mujer muy dotada intelectualmente pero las circunstancias históricas que tuvo que vivir le afectaron en cuanto a su vida y a su obra. Pudo publicar sus poemas hasta 1922, pero a partir de entonces y hasta 1940 su voz estuvo en silencio. Su marido fue fusilado y ella misma acusada de traición y deportada. Después de la guerra regresó a Leningrado y decidió seguir escribiendo en contra de las órdenes oficiales. Su poemario más importante “Requiem” es el producto de aquellos años de silencio. El libro fue publicado en Munich en 1963 sin que ella hubiera dado su consentimiento.
Desde entonces obtuvo el reconocimiento internacional que le llevó a estar nominada para el Nobel de Literatura.
Fue traductora de Leopardi y publicó ensayos sobre Pushkin.
Falleció en un sanatorio cercano a Moscú en 1966 a los 76 años. Su obra íntegra no se publicó en su país hasta 1990, veinticuatro años después de su muerte.

El poeta Joseph Brodsky dijo de ella:
“Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la han dibujado, pintado, esculpido y fotografiado un sin número de artistas, entre ellos Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.”

Anna Ajmátova vista por Modigliani

Anna Ajmátova vista por Modigliani

(*) Se llama acmeismo la corriente poética aparecida en Rusia poco antes de la Revolución de 1917. A diferencia de la poesía simbólica, los nuevos poetas acmeistas renegaban del hermetismo, la ambigüedad y el misticismo de las composiciones que se publicaban en su tiempo, apostando por llamar las cosas por su nombre con un lenguaje entendible y claro.
El instrumento que utilizaban para sus publicaciones era la revista “Apollon”

Soneto de estío

Más que yo vivirá lo que aquí vive,
Hasta los nidos de los estorninos,
Y este aire migratorio que cruzó,
Aire primaveral, la mar en vuelo.

La voz eternidad de allá nos llama,
Del más allá con su invencible fuerza,
Y por encima del cerezo en flor,
La luz lunar menguando se derrama.

Parece que blanquea sin estorbo,
A través de las verdes espesuras,
La senda que no digo adónde lleva…

Allí hay más claridad entre los troncos
Y todo se asemeja a la arboleda
Que circunda el estanque en Tsárkoie Seló.
Versión de María Teresa León

Poster de la revista "Apollon"

Poster de la revista “Apollon”

Hay en la intimidad un límite sagrado…

Hay en la intimidad un límite sagrado
Que trasponer no puede aún la pasión más loca
Siquiera si el amor el corazón desgarra
Y en medio del silencio se funden nuestras bocas.

La amistad nada puede, nada pueden los años
De vuelos elevados, de llameante dicha,
Cuando es el alma libre y no la vence
La dulce languidez del goce y la lascivia.

Pretenden alcanzarlo mentes enajenadas,
Y a quienes lo trasponen los colma la tristeza.
¿Comprendes tú ahora por qué mi corazón
No late a ritmo debajo de tu diestra?
Versión de María Teresa León

CINCUENTA AÑOS CON “YESTERDAY”

“Yesterday”. Una de las mejores baladas de The Beatles cumple 50 años. El 15 de junio de 1965 se grabó por primera vez para el L.P. “Help!”

De “Yesterday” se han realizado más de 3.200 versiones en todos los idiomas y estilos. Es el record musical absoluto.

En este video grabado en directo en el mismo año 1965 se aprecian los defectos y las virtudes de la canción. Es una canción compuesta e interpretada casi exclusivamente por Paul, circunstancia que no gustaba al resto del grupo. No obstante se trata de una balada excepcional alejada del tipo de música, más rítmica,  que interpretaba el grupo preferentemente.

RECORDANDO A HUGO PRATT Y A SU ALTER EGO “EL CORTO MALTESE”

“El Corto Maltese” un personaje arrollador

El 15 de junio de 1927, nació cerca de Rímini, Hugo Pratt. Hoy cumpliría 88 años, aunque falleció en el 95, a los 68. Estamos hablando de uno de los historietistas más influyentes en el mundo del cómic del siglo XX. Hugo Pratt descendia de sefardís. Los antepasados de sus padres habían sido sefardís convertidos al cristianismo después del exilio. Extraordinariamente culto y erudito, en sus obras aflora una gran cantidad de información histórica y cultural, tanto en sus dibujos como en sus guiones. Pratt era un trotamundos, después de Italia donde nació, estuvo viviendo en Etiopía, en Argentina, en Gran Bretaña, para volver de nuevo a Italia a principios de los 60 y donde publicó el grueso de su obra gràfica.

un ejemplo de las compaginaciones magníficas de Hugo Pratt en su obra

un ejemplo de las compaginaciones magníficas de Hugo Pratt en su obra

Era un maestro en el blanco y negro con evidentes influencias de Milton Caniff y Will Eisner pero, a la vez, con un estilo muy personal y que influyó en dibujantes europeos más jóvenes como José Muñoz, Milo Manara o Manfred Sommer, entre otros. Como guionista, en sus historias se aprecia la influencia que tuvieron sus lecturas de juventud apareciendo en su obra la impronta de Jack London, Fenimore Cooper, Melville o el mismo Borges. Su estilo era peculiar, trazos gruesos, poco claros pero espontáneos y vigorosos y con unas compaginaciones espectaculares e innovadoras. Pratt tuvo un reconocimiento menor hasta la aparición de su personaje más carismático en 1967. A partir de entonces alcanzó una popularidad a nivel mundial que pocos dibujantes han conseguido. Ese personaje, un icono universal, era “El Corto Maltese”. Pirata romántico y caballeroso del que creó hasta veintinueve historias diferentes. Como su alter ego, circulaba por la historia y la geografia de su tiempo acompañado de personajes históricos como Rasputín, Butch Cassidy, Sundance Kid o el mismo Jack London. En la creación de Pratt, su personaje, “el Corto Maltese”, era hijo de una andaluza “La niña de Gibraltar” y de un marinero inglés de Cornualles. Nació en Malta y pasó su infancia en Córdoba siendo educado por un rabino llamado Ezra Toledano (una de las familias de los antepasados sefardís de Pratt, eran precisamente los Toledano). No puedo resistir resaltar aquí una característica personal con la que Pratt enriqueció a “el Corto” y que es significativa del personaje y así la expongo: Una gitana amiga de “La niña de Gibraltar”, su madre, al leer la mano de “el Corto” descubrió que no tenía la línea de la fortuna. Él, sin inmutarse, con la navaja de afeitar de su padre se grabó una línea a su gusto, aunque no le gustaba enseñarla.

“El Corto” en Venecia

Para mí, “el Corto”, es uno de los personajes del cómic más entrañable y conseguido al estar dotado de una trayectoria vital coherente y rica. Pratt tiene en su obra personal otros personajes interesantes pero ninguno como él. Ernie Pike o el Sargento Kirk son los más importantes aparte de “el Corto”. Hugo Pratt falleció a los 68 años en Suiza, donde residía, pero su obra le mantiene en la memòria de la cultura popular. Pratt-5-

ORNETTE COLEMAN, UN MAESTRO DEL FREE JAZZ

El jueves pasado, día 11 de junio, falleció en Nueva York, a los 85 años, una de las leyendas del jazz del pasado siglo. Se llamaba Ornette Coleman y había nacido en marzo de 1930.

Fue una figura legendaria del free jazz, tan admirado como denostado, ya que fue uno de los impulsores de la nueva forma de interpretar el jazz.

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A finales de la década de los 50 estuvo, con Don Cherry en la trompeta, Charlie Haden en el bajo, Coleman con el saxo y Billy Higgins en la bateria, durante diez semanas tocando en el Five Spot de Nueva York. Allí desarrollaron un tipo de jazz muy diferente de cómo se tocaba hasta entonces. Influyeron enormemente en músicos que después alcanzarían la excelencia en ese tipo de música, nada menos que Charlie Mingus y John Coltrane conocieron personalmente la música que Ornette Coleman y su cuarteto tocaban en ese club de jazz situado en el número 5 de Cooper Square, en pleno Bowery neoyorquino. La improvisación colectiva, la vocalización de los instrumentos y la polirritmia son características esenciales de ese nuevo jazz que rompía los esquemas anteriores.
En la década de los 60, la mayoría de los músicos de jazz se movían en la órbita del free jazz y no fue hasta los 70 que abandonaron ese estilo innovador para volver en parte a los orígenes, pero no totalmente, el jazz fusión, el jazz rock y el jazz europeo conservan elementos aportados por el free jazz de Coleman y su cuarteto.

Foto tomada en el Five Spot en 1957 durante una interpretación de The Thelonious Monk Quartet

Foto tomada en el Five Spot en 1957 durante una interpretación de The Thelonious Monk Quartet

En este video, grabado en el Teatre Antique de Vienne en el 2008, se puede apreciar muy bien el jazz del maestro Ornette Coleman en la pieza “Lonely Woman” que compuso el propio Coleman en 1959.
Es de destacar la calidad de la filmación de este video con unos primeros planos espléndidos.

RECORDANDO A COLE PORTER

El 9 de junio de 1891, nacía en un pueblo de Indiana U.S.A., Cole Porter, uno de los compositores de música popular más versionados. El cine, el jazz, el pop, los musicales han versionado, hasta nuestros días,  sus canciones que ya son universales.

Sirva como ejemplo una versión actual y deliciosa, con estética de los años 40, de su canción “I love París” del film “Can-Can” interpretada por un grupo muy especial cuyo nombre es “Avalon Jazz Band”. Es para disfrutar y estoy seguro de que a Porter le hubiera gustado.

71 AÑOS NOS SEPARAN DEL DIA “D”

Les sanglots longs des violons de l’automne, blessent mon coeur d’une langueur monotone. (Los largos sollozos de los violines del otoño hieren mi corazón con una languidez monótona)
Estos versos iniciales del poema de Paul Verlaine “Chanson d’automne” se pudieron escuchar a través de la BBC el 5 de junio de 1944 en toda Francia. Se trataba del aviso en clave de la inminencia del desembarco en Normandía, el cual se realizaría al día siguiente, el seis de junio, tal día como hoy hace 71 años.

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Hay quien dice que en realidad las palabras pronunciadas no corresponden exactamente al poema de Verlaine si no a la letra de una canción de Charles Trenet titulada precisamente “Verlaine” y que apenas cambia unas palabras significativas del texto original, concretamente en el texto radiado solo cambia una palabra. Donde Verlaine dice blessent (hieren) Trenet dice bercent (mecen). Es evidente que el sentido de la frase cambia sustancialmente, pero eso nos da igual, a todos los efectos, se trataba de que la resistencia francesa tuviera conocimiento de lo que iba a ocurrir al día siguiente, es decir el Día D, el desembarco en Normandía, la llamada “Operación Overlord”.
Es curiosa la mezcla de la literatura, en este caso, literatura poética con una actuación bélica que provocó miles de muertos en ambos bandos.

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Esta actuación bélica es sobradamente conocida, la literatura, el cine y la televisión nos han dado mucha información de cómo se desarrollaron los acontecimientos aquel día de junio y no nos vamos a extender aquí. Baste decir que ese día, 160.000 soldados aliados atravesaron el Canal de la Mancha desembarcando en suelo francés y dieron comienzo a la victoria final que se consumó, en una primera etapa, el 25 de agosto con la liberación de París y en un momento final con la toma de Berlín por las tropas rusas y el suicidio del Führer el 30 de abril del 45.
El general Eisenhower por parte estadounidense y el general inglés Montgomery fueron los estrategas de la operación. Y los nombres clave escogidos para las playas de Normandía, donde se efectuó el desembarco son nombres ciertamente originales y forman parte de la historia popular. Dos estados americanos de la América profunda (Utah y Omaha), la espada, un arma hasta cierto punto romántica (Sword), un metal precioso, el oro (Gold) y una diosa romana, la esposa de Júpiter y símbolo de la maternidad (Juno)
Todo esto lo podemos ver ahora desde la distancia, lo cierto es que hoy hace 71 años que se inició la liberación de Europa y también se inició una masacre. Cientos de miles de combatientes de ambos bandos perdieron la vida en una operación militar necesaria y que comenzó con un poema:

Les sanglots longs des violons de l’automne, blessent ( o brecent) mon coeur d’une langueur monotone
Por último y como curiosidad, así se veía el día D. en la prensa oficial en España. Sin comentarios

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BO DIDDLEY, UN PIONERO DEL ROCK EN LA SOMBRA

En el año 1955, Elvis Presley, el que luego sería considerado a nivel mundial como el Rey del Rock’n’roll empezaba a ser conocido a nivel regional en los estados sureños de los Estados Unidos. Su explosión a nivel nacional y posteriormente a escala mundial no tuvo efecto hasta los años posteriores, los últimos años de la dècada de los 50. Es del dominio público que Elvis fue el primer blanco que cantaba y tocaba como un negro, el rock ya existia cuando él empezó su andadura para convertirse en The King.elvis-101- Elvis fue el divulgador mundial de ese tipo de música dándole al mismo tiempo su toque personal sobretodo en las actuacions en directo y por televisión por sus movimientos y su voz tan especial. Las fuentes que alimentaron la música de Elvis y todo el rock posterior son variadas, desde el gospel en las Iglesias cristianas de Memphis en su infancia, hasta el country, esa música sureña de gran divulgación, pasando por un grupo local “The Statesment Quartet” que interpretaban gospel con un estilo personal de movimientos corporales que anticipaban los que luego Elvis perfeccionaria al límite. Es evidente que el blues y la música popular interpretada por afroamericanos tuvo una enorme influencia en el desarrollo de esta nueva música que rompía los esquemes existentes y uno de los músicos que más influencia tuvo en ello es el músico que traemos hoy aquí ya que un día como hoy, el 2 de junio de 2008 su fué del mundo a los 79 años. Se llamaba Bo Diddley y era un fuera de sèrie poco conocido diddley-2- Bo Diddley nació en una granja algodonera en el estado de Missisipi en 1928. Siendo un niño su família se trasladó a Chicago y muy pronto empezó a desarrollar su vocación por la música pero no de una forma autodidacta, el tuvo estudiós musicales de guitarra y violin aunque el detonante de su estilo fue la música popular, principalmente la de un músico legendario: John Lee Hooker, tambien sureño, de Missisipi, once años mayor que Diddley y un maestro del blues y del folk. Elvis fue el rey del rock’n’roll y Bo Diddley su arquitecto, su sobrenombre “The originator” (el creador) así lo dice. Diddley fue el principal impulsor del paso del blues al rock utilizando ritmos básicos con un dominio absoluto de la guitarra. El blues es una música tradicional sureña en la que lo primordial no es el ritmo, tiene más importància la letra y la melodia. El paso del blues al rock que desencadenó Diddley se basaba en dar la màxima importància al ritmo por encima de la armonía, un ritmo simple y desnudo que en muchas ocasiones no cambiaba de acorde a lo largo de toda la canción. diddley-3- En estos dos vídeos se puede apreciar el arte de uno de los guitarristes más influyentes del siglo XX en la música popular. En el primero, grabado en Chicago en 1955 se puede ver un joven Diddley (27 años) interpretando un rock and roll primigenio

En este vídeo grabado en Italia en 1989, un Bo Diddley más maduro però con mucha energia interpreta uno de sus primeros hits “I’m a man” una pieza legendaria que posteriormente, grupos de primera línia como “The Who” o “The Yardbirds” incorporaron a su repertorio