CONSTANTINO KAVAFIS, EL POETA GRIEGO DE ALEJANDRÍA

RECUERDA CUERPO
Recuerda, cuerpo, no sólo cuánto se te amó,
no solo los lechos donde estuviste echado,
más también aquellos deseos que, por ti,
en miradas brillaron claramente
y en la voz se estremecieron –y que un
obstáculo fortuito los frustró.
Ahora que todo se halla en el pasado,
parece casi que a los deseos
aquellos te hubieras entregado –cómo brillaban,
recuerda, en los ojos que te miraban;
cómo en la voz por ti se estremecían,
recuerda, cuerpo.
El 29 de abril de 1863, nacía en Alejandría, en el seno de la importante comunidad griega un poeta llamado Constantino Petrou Kavafis y, por una casualidad del destino,el día que cumplía exactamente setenta años, es decir el 29 de abril de 1933 fallecía, también en Alejandría.
En vida no pasó de ser un funcionario normal de las Obras Públicas egipcias. También se dedicó al periodismo.
Su obra literaria es poética publicando algunos de sus poemas por su cuenta y obsequiándolos a quien considerara que se lo merecía.

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Fue después de fallecer cuando su obra adquirió trascendencia convirtiéndole en uno de los poetas más importantes del siglo XX y responsable del renacimiento literario de la lengua griega moderna, un tanto olvidada en aquella época.
Su reconocimiento en el mundo cultural anglosajón se debe principalmente a dos escritores de prestigio: E.M Forster y Lawrence Durrell
Forster divulgó profusamente sus poemas en toda Europa y en el libro más conocido de Durrell “El cuarteto de Alejandría” Kavafis es una presencia constante como personaje y como inspirador poético.
En sus poemas aparece la atracción sexual claramente homoerótica ligada a un sentimiento religioso de culpa. El paso del tiempo y su imperturbabilidad tan implacable constituye uno de los vectores de su obra.
Su estilo es único y seminal para una buena generación de poetas europeos muchos de ellos españoles, como Gil de Biedma, Luis Antonio de Villena o José Luis Panero. Es una mezcla inteligente de personajes históricos observados en sus momentos humildes y gente anónima y vulgar apreciados como héroes cotidianos plagados de simbología.cavafis-3-

Constantino Kavafis nos dejó, hoy hace ochenta y dos años, y está enterrado en el cementerio de Chatby en Alejandría, junto a su madre y seis de sus hermanos.

Uno de sus poemas más celebrados y populares es el “Viaje a Ítaca” que musicado por Lluis Llach es un icono musical en Cataluña. En este video se puede escuchar y ver.

EL DIOS ABANDONA A ANTONIO

Cuando, de pronto, a media noche oigas
pasar una invisible compañía
con exquisitas músicas y voces,
no lamentes en vano tu fortuna
que cede al fin, tus obras fracasadas,
los ilusorios planes de tu vida.
Como dispuesto de hace tiempo, como valiente, dile
adiós a Alejandría que se aleja.
Y sobre todo no te engañes: en ningún caso pienses
que es un sueño tal vez o que miente tu oído.
A tan vana esperanza no desciendas.
Como dispuesto de hace tiempo, como valiente, como
quien digno ha sido de tal ciudad, acércate
a la ventana. Y ten firmeza. Oye
con emoción, mas nunca
con el lamento y quejas del cobarde,
goza por vez final los sones,
la música exquisita de la tropa divina,
despide a Alejandría que así pierdes.

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de losblublu Publicado en Albert

EMILIO SALGARI (A VECES LA IMAGINACIÓN ES SUFICIENTE)

“A vosotros, que os habéis enriquecido con mi piel, manteniéndome a mí y a mi familia en una continua semimiseria o aún peor, sólo os pido que en compensación por las ganancias que os he proporcionado, os ocupéis de los gastos de mis funerales. Os saludo rompiendo la pluma. Emilio Salgari.”

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Con estas palabras dirigidas a sus editores se despedía de la vida un escritor italiano inmensamente popular.
Emilio Salgari se quitó la vida el 25 de abril de 1911 abriéndose el vientre con un cuchillo según el rito japonés del seppuku más conocido como harakiri. Tenía 48 años.
La familia de Salgari tiene una relación destacada con el suicidio. Su padre lo hizo antes que él y dos de sus hijos se quitaron la vida con posterioridad. Su esposa tuvo que ser internada en un psiquiátrico muy joven.
Salgari era un escritor peculiar, enormemente prolífico, escribió 84 novelas y una cantidad imposible de determinar de relatos cortos. La mayoría de sus narraciones eran del género de aventuras en países exóticos. Nació en Verona y falleció en Turín, ambas ciudades se encuentran en el norte de Italia y no tienen mar. Salgari solo realizó un corto viaje por mar en el Mediterráneo, pero al igual que su contemporáneo, Jules Verne, que también había escrito su obra sin salir de Amiens, utilizaba su imaginación y la cartografía de la época para tejer una serie de narraciones ambientadas en cualquier parte del mundo, muchas de ellas formando series con protagonista principal que se repetía e incluso con interrelaciones entre las novelas. Las series de Sandokán “el tigre de Malasia” y la de El Corsario Negro y su hija Yolanda son las más populares.

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A diferencia de las novelas británicas contemporáneas y que trataban el colonialismo, Salgari situaba a sus héroes como resistentes anticolonialistas. Sus enemigos eran precisamente los colonialistas a los que, los novelistas ingleses (Kipling, Rider Haggart y otros) glorificaban sin sutileza enfrentándoles con éxito a los malvados e ingratos indígenas que no aceptaban de buen grado su presencia en las colonias.

A pesar de su enorme éxito popular, la vida de Emilio Salgari no fue un camino de rosas, agobiado por las deudas y por unas circunstancias familiares lamentables decidió poner fin a su vida de una manera melodramática. Dejó tres cartas, una a sus hijos, otra a los directores de los periódicos de Turín y la última a sus editores, la que transcribimos al principio de este post y que es sumamente elocuente.

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‘A proposito de Majorana’ de Javier Argüello

A propositio de Majorana

Hoy, día de Sant Jordi, se impone un post literario. Y qué mejor que recomendar una lectura. En este caso, la última realizada.

“A propósito de Majorana” es un libro curioso. Por una parte, es una novela clásica, perfecta, con toques de novela negra, de viaje y hasta me atrevería a decir que de redención; por otra, es un tratado sobre física cuántica para principiantes. Y digo para principiantes porque es entendible, como lo es una conversación entre dos amigos sobre la cubierta de un velero, dentro de lo incomprensible que es el destino de la vida (o las vidas).

Javier Argüello, el autor, logra esta cuadratura casi imposible gracias a la figura de Ettore Majorana, un físico excepcional, avanzado a su tiempo, que desapareció misteriosamente frente a Nápoles el 28 de marzo de 1938. Ernesto Aguiar, un periodista argentino en tránsito a ninguna parte, pero afincado en Barcelona, recibe el encargo de su redactor jefe para que investigue aquella desaparición. Aguiar aprovecha esta circunstancia para huir de su vida, de su trabajo, y del vértigo que le supone la inminente boda con Ana. Para huir de sí mismo. Huye en un velero con el gringo Ross, un amigo de la infancia también sin rumbo que encuentra en el puerto de Barcelona. En el viaje hacia Nápoles, hacia el misterio Majorana, bajo las estrellas del Mediterráneo, Ernesto y el gringo buscan comprender el sentido de la existencia, de las existencias, de ese “déjà vu” que siempre nos intriga, como si viviésemos infinitas vidas. Y en Nápoles, un personaje más de esta historia, Ernesto conocerá a Valeria mientras intenta resolver los porqués del final de Majorana con la ayuda del comisario Espósito.

He disfrutado con cada una de las 335 páginas del libro. Y he tenido la sensación de que, en el fondo, también hablaba un poco de mí, de ti, de nuestro viaje para saber quiénes somos.

A propósito de Majorana se ha publicado en Literatura Random House, 2015

Y felicitar a por aquí a una de las blogueras de este “Lilylahijadelencargado”, que tuvo el acierto de nacer un 23 de abril. Felicidades, Ana!!!

CINE Y LITERATURA: “LOLITA” O LA CONSTRUCCIÓN DE UN ARQUETIPO

“Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas. Pecado mío, alma mía. Lo-li-ta; la punta de la lengua emprende un viaje de tres pasos desde el borde del paladar para apoyarse, en el tercero, en el borde de los dientes. Lo. Li. Ta. Era Lo, sencillamente Lo, por la mañana, un metro cuarenta y ocho de estatura con los pies descalzos. Era Lola con pantalones. Era Dolly en la escuela. Era Dolores cuando firmaba. Pero en mis brazos era siempre Lolita.”

Cuando se publicó la novela “Lolita” en París en 1955, su autor Nabokov no sabía que estaba creando un arquetipo muy popular.

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Vladimir Nabokov había nacido en San Petersburgo tal día como hoy, 22 de Abril, en el año 1899. Sus primeras obras las escribió en ruso pero a los veinte años abandonó su país y pasó el resto de su vida en Occidente (Francia, Estados Unidos, Suiza) escribiendo en francés y en inglés.
Nabokov era un intelectual que se hizo famoso internacionalmente como escritor, crítico literario, conferenciante, traductor y profesor de literatura. Aunque su novela “Lolita” es la que le dio mayor fama por su argumento extremadamente atrevido para la época en que fue publicado. La trama de la obra se basa en la atracción claramente sexual que, un maduro profesor de universidad, siente hacia la que era su hijastra de doce años. Obviamente el tema es transgresor incluso en los años posteriores. Estamos hablando de pederastia. En la subtrama de la novela se encuentra una crítica visión de la vida americana en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

nabokov-2-La primera edición fue catalogada como pornográfica y prohibida en Francia e Inglaterra. No fue hasta 1958 que se publicó en los Estados Unidos y siempre ha llevado colgado el fantasma de la depravación y al mismo tiempo ejerciendo una importante fascinación..

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En 1962, el propio Nabokov realizó el guión basado en su novela para ser llevado a la pantalla por Stanley Kubrick. La adaptación tuvo que ajustarse a las exigencias de la industria del cine americana que, en aquellos años, era muy restrictiva. Es probable que si Kubrick hubiera hecho el film un par de décadas más tarde hubiera sido muy diferente. No obstante en la película, a pesar de haber perdido una buena parte de la mala leche de la novela, disfruta del buen hacer de Nabokov como guionista y de la honestidad intelectual de su director.
Mención aparte merece el trabajo de los actores entre los cuales destaca James Mason como padrastro interesado en una Lolita interpretada por Sue Lyon adecuada físicamente en el papel de nínfula tentadora.

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Decimos que Nabokov creó un arquetipo, probablemente, sin pretenderlo porque con el tiempo solamente con la palabra “lolita” se describe perfectamente un cierto tipo de niña-mujer comprensible popularmente.

En 1997 se rodó una nueva versión de la novela, dirigida por Adrian Lyne, a mi entender claramente inferior, estética y cinematográficamente a la versión de Kubrick.

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MODUS VIVENDI. SOPHIE CALLE (II)

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BIOGRAFÍAS (1988-2013)

LA NARIZ

Tenía catorce años y mis abuelos deseaban corregir ciertas imperfecciones que veían en mí. Me reconstruirían la nariz, esconderían la cicatriz de mi pierna izquierda con un trozo de piel extraída del culo y de paso, quizá, me pegarían las orejas. Yo tenía mis dudas y quisieron tranquilizarme: podría echarme atrás hasta el último momento. Se concertó una cita con el doctor F., un famoso cirujano plástico. Fue él quien puso fin a mi indecisión. Dos días antes de la operación se suicidó.

CINE Y LITERATURA: “PSICOSIS”, LA SUBLIMACION DEL MIEDO

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En 1959, un escritor de novelas de terror y ciencia ficción de Chicago de nombre Robert Bloch, publicó una pequeña novela llamada “Psycho”. Al año siguiente un director de cine llamado Alfred Hitchcock, nacido en Inglaterra, adaptó fielmente dicha novela al cine con el mismo nombre. En nuestro país se llamó “Psicosis” y fue un revulsivo en el cine de suspense y de terror que cambió los parámetros de lo que se había hecho hasta entonces.

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Hitchcock era un gran director de cine y en sus películas siempre hay dosis de intriga y suspense matizadas con un sentido del humor especial. En “Psicosis” no hay lugar para el humor pero si hay lugar para el miedo.
Hay algunas particularidades en esta película que pueden explicar su singularidad, he aquí algunas de ellas:
-Pocas veces se ha dado en el cine el hecho de que la heroína sea eliminada antes de terminar la tercera parte del metraje.
-La mirada insondable y terrorífica del villano, Norman Bates, interpretado magistralmente por Anthony Perkins. Todo el mundo que la haya visto recordará el último plano de la película.
-La escena del crimen en la ducha, inverosímil en su construcción pero enormemente inquietante. ¿Quién no la ha evocado alguna vez tras la cortina de plástico de la ducha en algún hotel de baratillo?

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“Psicosis” es una película que empieza con una historia cotidiana, real y verosímil y que se abre paso hacia lo inquietante intensificando la densidad de su atmosfera a medida que va avanzando lentamente hacia el interior del baño donde ocurrirá el siniestro asesinato. En esta secuencia inolvidable el tiempo queda suspendido y la lógica natural parece disolverse. El resto de la película parece estar de más.
Veamos lo que dijo Hitchcock al respecto en una entrevista realizada por José María Latorre y publicada en la revista “Dirigido por…” en Setiembre de 1974:

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“Usé cine puro para conmover al público. Todo lo hice con intención visual, dirigida, por todos los caminos posibles, al público. Por eso el asesinato en el cuarto de baño es tan violento, porque según la marcha del film, no hay tanta violencia…Pero esa escena estaba tan fuertemente grabada en la mente del público que hubo que hacerla mucho más violenta. Creo que en “Psicosis” no existe identificación con los personajes. No había tiempo para desarrollar los tipos y además no hacía falta. El público se lanza a través de los paroxismos de la película, sin tener conciencia de si era Vera Miles o John Gavin. Son simplemente personajes que llevan de la mano al público por la parte final de la película. Yo no sentía ningún interés por ellos. Y vea usted que nadie menciona nunca que ellos estaban dentro de la película. Es más bien triste para ellos…
…El punto culminante es precisamente que se mata a la estrella, y esto es lo que hace que todo parezca tan inesperado. Esta es la razón básica por la que había que hacer que el público viese la película desde el mismo principio. Si la veían a la mitad, hubieran pensado: “¿Y cuándo sale Janet Leigh?”. No pueden tenerse ideas confusas cuando se trabaja con el suspense”

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Recuerdo que vi la película de adolescente. En mi familia acostumbrábamos a ir al cine un par de veces a la semana y tengo la percepción concreta del visionado de algunas de ellas aunque no de la mayoría. De “Psicosis” lo recuerdo todo. Se el cine donde la vi, con quién iba y lo que me pasó. Me dio mucho miedo.

MODUS VIVENDI. SOPHIE CALLE (I)

Decir que esta exposición impresiona sería verdad, pero no dejaría de ser una simpleza.

Sophie Calle es una artista excepcional por lo original, por lo iconoclasta, pero sobre todo por ser “excepción” en el sentido más amplio de la palabra.

Fotógrafa que no se considera fotógrafa, escritora que no se considera escritora, artista que  sacude, divierte,  sugiere, emociona a partir de una idea de la vida diaria, casi de la nada.

Les explicaré de qué hablo.

Hablo de ocho montajes que son reflexiones vitales de personajes anónimos: Sobre la última imagen que recuerdan varias personas antes de quedarse ciegas, sobre lo que se siente al ver el mar por primera vez. Confidencias y objetos de la biografía de la autora, Las descripciones, hechas de memoria por sus antiguos vigilantes, de cuadros robados de un museo, etc…Y uno muy especial “Cuídese mucho” aquí nos explica cómo se gestó:

“Recibí un e-mail diciéndome que todo había terminado. No supe cómo responder. Terminaba con la frase “Cuídese mucho”. Y así lo hice.

Le pedí a 106 mujeres, elegidas por su profesión o sus habilidades (y a una cotorra), que interpretaran la carta Que la analizaran, la comentaran, la bailaran, la cantaran. La agotaran.

Que la entendieran, que la interpretaran por mí.

Era una forma de darme tiempo para cortar.

Una manera de cuidarme.

Destaco tres respuestas:

―Françoise Gaspard. (Experta en derechos de la mujer de la ONU)

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 UF!!

―FG. Capitana de Policía:

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…Entiendo la queja de Madame Calle, pero en términos penales no

es admisible, puesto que parece no haber pérdidas económicas, y en cuanto al perjuicio moral, este es inherente a toda relación amorosa, pues ¿acaso no nos enamoramos bajo nuestro propio riesgo?

― Brenda. Cotorra.

GERRY MULLIGAN, EL REY DEL COOL

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El 6 de abril de 1927, nacía en Nueva York uno de los mitos del jazz: Gerry Mulligan
En sus inicios profesionales era arreglista, tocando diversos instrumentos esporádicamente, pero apenas con veinte años se dedicó especialmente a desarrollar la técnica de uno de los instrumentos menos populares entre todos los utilizados en la primera mitad del siglo XX: el saxo barítono.
Hasta la llegada de Mulligan en el mundo jazzístico, el saxo barítono era demasiado grande y lento, él le dio una versatilidad y velocidad desconocidas llegando a tocarlo como si se tratara de un saxo tenor o un saxo alto.
Fue en 1951, después de su traslado a Los Ángeles que empezó su leyenda. Tocaba regularmente en dos clubs de jazz de prestigio: el “Haig” y el “Lighthouse”, con su grupo y con el del trompetista Chet Baker.
De esta época es la grabación a la pieza “As Catch Can” efectuada en Newport en el año 1958


Posteriormente formó un cuarteto y esporádicamente un sexteto con Art Farmer (trompeta) y Bob Brookmeyer (trombón) entre otros. Su versatilidad le permitió tocar con la mayoría de los músicos que admiraba en la época dorada del jazz: Duke Ellington, Stan Getz, Paul Desmond, Dave Brubeck o Thelonious Monk.
Incluso se atrevió a probar suerte con música diferente como los tangos de Astor Piazzola y Tulio de Piscopo

Gerry Mulligan, junto con Chet Baker, Stan Getz y sobretodo Miles Davis, fue uno de los impulsores del estilo “cool” en el jazz. El “cool” era un jazz más reposado que el “bebop” que imperaba en aquella época, lejos de la improvisación y los ritmos frenéticos, el “cool” se acercaba al “blues” y a una cierta música clásica europea.
El “cool” tuvo un éxito fulgurante entre los “jazzmen” blancos de ambas costas americanas aunque no tuvo demasiada duración, a partir de los años 60 el jazz volvió a sus raíces negras.

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Mulligan siguió fiel al “cool” grabando en el 92 un disco llamado significativamente “Rebirth of the cool”, y continuó tocando y grabando hasta poco antes de su fallecimiento en el 96, a los 68 años.

Grabación efectuada en el “Jazz Club” de Stuttgart (West Germany) en marzo de 1987